Capítulo 1: 25 de agosto de 1970 – La noche que conquistó América
La noche del 25 de agosto de 1970 en The Troubadour en West Hollywood, California, aquella era una mezcla de escepticismo y curiosidad. El público reunido —figuras influyentes de la industria, periodistas y músicos de la talla de Neil Diamond, David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash— había acudido a presenciar el debut estadounidense de un pianista y cantante británico prácticamente desconocido llamado Elton John. Su primer álbum homónimo había recibido críticas favorables, pero las ventas eran modestas. Para Reginald Kenneth Dwight, el hombre detrás del nombre artístico, esa actuación no era solo un concierto; era el punto de inflexión de una carrera que hasta entonces se había desarrollado en la relativa oscuridad de los pubs ingleses y los estudios de grabación, donde trabajaba como compositor a sueldo.
La presión era inmensa, y alguien en ese local parecía ya haberla intuido. Cuando Doug Weston, el propietario del club, subió al escenario para presentar al artista, su seriedad contrastaba con el ambiente relajado del local. Con una determinación casi profética, declaró: “Damas y caballeros, soy un hombre que se enorgullece de presentarles nuevos talentos. Recuerden esta noche, porque están a punto de presenciar el nacimiento de una estrella.”
Cuando John apareció, su aspecto no delataba la explosión que estaba por desatarse. Vestido con un overol azul eléctrico adornado con estrellas y una camiseta de manga larga, era la imagen de un joven algo tímido: el cabello castaño cayendo sobre la frente, las gafas que ya formaban parte de su identidad, aunque aún lejos de la extravagancia de años posteriores. Se sentó al piano, flanqueado por sus dos únicos músicos: el bajista Dee Murray y el baterista Nigel Olsson. Sin preámbulos, el trío arrancó con Your Song. La balada, delicada y orquestada en su versión de estudio, adquirió en vivo una dimensión nueva de intimidad y urgencia. La voz de John —con su peculiar inflexión americanizada y su raíz góspel— llenó el silencio del local, y la complejidad de su ejecución pianística, que fusionaba la sensibilidad del pop con la fuerza del rock and roll y la técnica de su formación clásica en la Royal Academy of Music, capturó de inmediato la atención de la sala.
La conexión fue instantánea y palpable. Robert Hilburn, el crítico musical de Los Angeles Times que presenció esa noche, describiría más tarde la experiencia como un momento de revelación, afirmando que John era la primera gran estrella del rock de los años setenta.
A medida que avanzaba el repertorio, la timidez inicial cedió ante una demostración de puro espectáculo. Sixty Years On e I Need You to Turn To mostraron su capacidad para la composición melódica compleja; Border Song y Take Me to the Pilot desataron una energía arrolladora. El clímax llegó con Burn Down the Mission. En un arrebato de teatralidad, John se levantó del taburete de un puntapié y comenzó a golpear las teclas con una ferocidad que recordaba a Jerry Lee Lewis: se arrodilló, se lanzó al suelo cayendo sobre sus rodillas y, en uno de los gestos que se convertirían en su marca más reconocible, levantó las piernas por encima del teclado sin dejar de tocar. El público, que había comenzado la noche sentado y expectante, estaba ahora de pie, completamente entregado.
La actuación en The Troubadour no fue solo un éxito; fue un evento catalizador que transformó a Elton John de compositor prometedor a fenómeno internacional en cuestión de días. Su álbum homónimo comenzó a escalar las listas estadounidenses, y las emisoras pusieron Your Song en alta rotación. El concierto se convirtió en una leyenda: el momento preciso en que talento, preparación y oportunidad convergieron para lanzar una de las carreras más longevas y exitosas en la historia de la música popular. Ese evento definía al artista en toda su complejidad: un músico de formación clásica con el alma de un rockero, un compositor de baladas introspectivas con el instinto de un showman extravagante. La pregunta que surgía de esa noche era inevitable: ¿de dónde venía esa fuerza capaz de fusionar a Bach con Little Richard y cautivar a la audiencia más cínica de Hollywood? Para entender al artista, era necesario explorar los orígenes de Reginald Dwight, el niño prodigio de Pinner.
Capítulo 2: 1947-1962 – Los orígenes de un prodigio en Pinner
Reginald Kenneth Dwight nació el 25 de marzo de 1947 en Pinner, un suburbio de clase media-baja en Middlesex, al noroeste de Londres. Su infancia transcurrió en un entorno familiar tenso y emocionalmente restrictivo, un factor que moldearía profundamente su personalidad y su posterior expresión artística. Su padre, Stanley Dwight, era un oficial de la Royal Air Force, una figura autoritaria y frecuentemente ausente debido a sus obligaciones militares. Aunque Stanley tocaba la trompeta de manera amateur en la Bob Millar Band —una orquesta semiprofesional que actuaba en bailes militares—, desaprobaba activamente las aspiraciones musicales de su hijo e intentaba orientarlo hacia una carrera más convencional, como la banca. La relación entre padre e hijo estuvo marcada por la distancia emocional y la falta de aprobación, una herida que John exploraría más tarde en su música y que, según sus propias palabras, fue una de las fuerzas impulsoras detrás de su extravagante personaje escénico: una forma de liberarse de la rigidez de su niñez.
En contraste, su madre, Sheila Eileen, aunque también estricta, poseía un espíritu más libre y fue quien fomentó inicialmente el talento musical de su hijo. El hogar de los Dwight, sin embargo, era escenario de frecuentes y ruidosas disputas entre sus padres, y esa atmósfera generaba una angustia constante en el joven Reginald.
El descubrimiento de su vocación fue temprano y casi instintivo. Criado principalmente por su madre y su abuela materna, encontró en el piano de la abuela un refugio y un medio de expresión. Con apenas tres años, su familia lo descubrió reproduciendo de oído El vals de los patinadores de Émile Waldteufel. Ese talento natural era evidente para todos, y a los siete años comenzó a recibir lecciones formales de piano. Su aptitud era extraordinaria: en la escuela no solo demostraba una habilidad innata para componer melodías, sino que asombraba a sus compañeros con interpretaciones enérgicas al estilo de Jerry Lee Lewis.
Este don culminó a los once años, cuando ganó una beca como Junior Exhibitor en la prestigiosa Royal Academy of Music de Londres. Uno de sus instructores relató asombrado cómo, tras escuchar una pieza de cuatro páginas de Händel por primera vez, el joven Reginald la reprodujo nota por nota, como si fuera “un disco de gramófono”. Durante los siguientes cinco años asistió a clases los sábados, donde estudió teoría musical y se sumergió en las obras de Chopin y Bach. A pesar de ser considerado un estudiante modelo por algunos profesores, John confesaría más tarde sentir un cierto resentimiento hacia la disciplina formal: a menudo se las arreglaba para aprobar sin practicar con diligencia y en ocasiones se saltaba las clases para recorrer el metro de Londres. Esa dualidad entre la disciplina clásica y un espíritu rebelde e intuitivo se convertiría en una característica central de su estilo.
El contexto de la posguerra británica también jugó un papel en su formación. Creció en una época de austeridad, pero también de una explosión cultural inminente. Los Dwight eran ávidos compradores de discos, y el joven Reginald creció escuchando desde Frank Sinatra hasta Bill Haley & His Comets. El rock and roll estadounidense, con su energía cruda y su actitud desafiante, tuvo un impacto sísmico en él. Artistas como Elvis Presley y Little Richard le mostraron un mundo de expresión sin límites, en marcado contraste con la contención emocional de su propio hogar.
A los quince años, con el apoyo de su madre y su padrastro, Fred Farebrother —con quien Sheila se casó tras divorciarse de Stanley cuando Reginald tenía catorce años—, consiguió su primer trabajo profesional. Conocido simplemente como “Reggie”, tocaba el piano de jueves a domingo en el Northwood Hills Hotel, un pub cercano. Su repertorio era una mezcla pragmática de estándares populares, canciones de Ray Charles y Jim Reeves, y sus propias composiciones incipientes. Fue en ese entorno donde aprendió a leer al público y a desarrollar la resistencia necesaria para las largas noches de actuación. También formó su primera banda seria, The Corvettes, y comenzó a usar gafas de montura gruesa no por necesidad visual, sino para emular a su ídolo, Buddy Holly.
Estos primeros años —marcados por la tensión familiar, una educación musical de élite y la inmersión en el rock and roll de los pubs londinenses— forjaron las herramientas y la ambición que lo llevarían a buscar una salida de Pinner y a tomar la decisión irrevocable de dedicar su vida a la música. El siguiente paso sería encontrar la voz lírica que complementara su genio melódico, una búsqueda que lo conduciría a la colaboración más importante de su vida.
Capítulo 3: 1967-1970 – La alquimia de Taupin y el amanecer de un estilo
En 1967, la escena musical británica bullía con la psicodelia y el ocaso del Swinging London. Para Reginald Dwight, el futuro Elton John, fue un año de transición fundamental. Cansado de la rutina de tocar como músico de sesión en Bluesology, la banda de acompañamiento del cantante de blues Long John Baldry, y anhelando una carrera como artista principal, respondió a un anuncio publicado en la revista New Musical Express. Lo había colocado Ray Williams, entonces director de A&R de Liberty Records, en busca de nuevos talentos. En esa misma oficina, habiendo respondido al mismo anuncio, se encontraba un joven letrista de Lincolnshire llamado Bernie Taupin.
Williams, con una intuición que cambiaría la historia de la música pop, percibió que el talento de Dwight residía en la composición de melodías, no de letras. Le entregó un sobre con poemas de Taupin. Ese encuentro, puramente fortuito, fue el catalizador de una de las asociaciones compositivas más prolíficas y duraderas del siglo XX. Dwight compuso música para las letras de Taupin y se la envió por correo, iniciando una colaboración a distancia que pronto se volvería presencial. La primera canción que escribieron juntos fue Scarecrow, un tema que ya mostraba la semilla de su futura sinergia: la habilidad de Taupin para crear imágenes cinematográficas y evocadoras, y la capacidad innata de John para traducirlas en estructuras melódicas y armónicas complejas.
Fue durante este período que Reginald Dwight se reinventó por completo. Adoptó el nombre artístico de Elton John, una fusión en homenaje a dos de sus compañeros en Bluesology: el saxofonista Elton Dean y el carismático líder de la banda, Long John Baldry. El cambio de nombre simbolizaba una ruptura con el pasado y una apuesta por una nueva identidad artística.
En 1968, el dúo John/Taupin firmó un contrato con DJM Records, la compañía del famoso editor musical Dick James, quien había gestionado el catálogo de The Beatles. Su rol inicial era el de compositores a sueldo, produciendo material para otros artistas del sello. Durante casi dos años escribieron canciones de pop ligero para artistas como Roger Cook y Lulu —entre ellas I Can’t Go On (Living Without You), que compitió para representar al Reino Unido en el Festival de Eurovisión de 1969, quedando en sexto lugar en la selección interna—. Aunque ese trabajo era comercial, les permitió perfeccionar un método propio: Taupin escribía un lote de letras en menos de una hora y se las entregaba a John, quien componía la música con una velocidad asombrosa, a menudo en tan solo media hora. Si una melodía no surgía de inmediato, desechaba la letra y pasaba a la siguiente, un proceso que priorizaba la inspiración espontánea sobre el esfuerzo laborioso.
El punto de inflexión llegó gracias al apoyo de Steve Brown, un editor musical de DJM que reconoció el potencial de sus composiciones más ambiciosas y los animó a grabar su propio material. En 1969, John lanzó su álbum debut, Empty Sky. Grabado con amigos músicos como el guitarrista Caleb Quaye, el baterista Roger Pope y el bajista Tony Murray, el álbum era una obra de transición que mezclaba el pop psicodélico de la época con elementos de folk y rock. No tuvo un impacto comercial significativo, pero fue un paso crucial: demostró que la fórmula John-Taupin tenía vida propia.
Para el siguiente proyecto, el álbum homónimo Elton John de 1970, el equipo se profesionalizó. Se incorporó el productor Gus Dudgeon, conocido por su trabajo con David Bowie en Space Oddity, y el arreglista Paul Buckmaster. Dudgeon aportó una producción pulida y expansiva; Buckmaster envolvió las canciones en arreglos de cuerda cinematográficos que se convertirían en una firma del sonido temprano de Elton John. El álbum, lanzado en abril de 1970, estableció la fórmula que definiría su carrera: una mezcla de baladas conmovedoras con progresiones de acordes de inspiración góspel y rockers llenos de energía. El primer sencillo, Border Song, tuvo un modesto éxito en Estados Unidos, pero fue el segundo, Your Song, el que lo catapultó a la fama. La balada —con su letra de una honestidad desarmante y su melodía inolvidable— se convirtió en un éxito transatlántico, entrando al top 10 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos y estableciendo a Elton John como una nueva y poderosa voz en la escena musical internacional.
Capítulo 4: 1971-1973 – Siete álbumes de oro y la consagración del glam rock
Tras el éxito de su debut en Estados Unidos y la consolidación de Your Song como un estándar global, Elton John entró en un período de creatividad y productividad sin precedentes. La fórmula establecida —la colaboración lírica de Bernie Taupin, la producción de Gus Dudgeon y los arreglos de Paul Buckmaster— se convirtió en una máquina de éxitos. En octubre de 1970, apenas seis meses después de su anterior LP, lanzó Tumbleweed Connection, un álbum conceptual inspirado en el country y el folk-rock estadounidense, con una temática que evocaba el Viejo Oeste. A pesar de su sonido marcadamente americanizado, fue un éxito rotundo: alcanzó el número 2 en el Reino Unido y el número 5 en Estados Unidos.
La demanda era tal que, un mes más tarde, se lanzó el álbum en vivo 17-11-70 —titulado 11-17-70 en Estados Unidos—, una grabación de una transmisión de radio desde los estudios A&R de Nueva York que capturaba la energía cruda del trío con Dee Murray y Nigel Olsson. El año 1971 continuó con una productividad asombrosa: compuso la banda sonora para la película Friends y lanzó Madman Across the Water, que contenía dos de sus canciones más perdurables: la épica Levon y la balada californiana por excelencia, Tiny Dancer.
El año 1972 marcó un punto de inflexión decisivo con la incorporación del guitarrista Davey Johnstone, cuyo trabajo en guitarra eléctrica, acústica y mandolina añadiría una nueva textura y una ventaja rockera al sonido del grupo. El primer álbum con esta formación de cuatro piezas, Honky Château, lanzado en mayo de 1972, fue un éxito monumental: se convirtió en el primero de una racha de siete álbumes consecutivos en alcanzar el número 1 en el Billboard 200 de Estados Unidos, donde permaneció en la cima durante cinco semanas. Del álbum surgieron dos sencillos icónicos: Honky Cat, un tema de rock con sabor a Nueva Orleans, y Rocket Man (I Think It’s Going to Be a Long, Long Time). Esta última, una balada melancólica sobre la soledad de un astronauta, se convirtió en un éxito mundial y en una de sus canciones más emblemáticas, mostrando la madurez de la colaboración John-Taupin para explorar la alienación y las presiones de la vida moderna a través de metáforas evocadoras. El éxito de Honky Château le dio también la libertad para experimentar con su imagen: los conciertos se volvieron cada vez más teatrales, con trajes elaborados, gafas estrafalarias y una energía escénica que lo distinguía de los cantautores más introspectivos de la época.
La cima de este período dorado llegó en 1973, un año en que Elton John dominó las listas de una manera que pocos artistas han logrado. A principios de año, Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player alcanzó el número 1 en el Reino Unido, Estados Unidos y Australia. El álbum produjo dos de sus mayores éxitos comerciales: Daniel, una conmovedora balada sobre un veterano de guerra, y Crocodile Rock, un homenaje nostálgico al rock and roll de los años cincuenta que se convirtió en su primer sencillo número 1 en el Billboard Hot 100.
Pero la obra maestra de este período, y posiblemente de toda su carrera, llegaría en octubre de 1973 con el álbum doble Goodbye Yellow Brick Road. Este ambicioso proyecto de diecisiete canciones fue una demostración de versatilidad estilística pocas veces vista: desde el hard rock de Saturday Night’s Alright (for Fighting) hasta la balada elegíaca Candle in the Wind —originalmente escrita sobre Marilyn Monroe—, pasando por la textura caribeña de Jamaica Jerk-Off y la épica progresiva de Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding. El álbum fue un éxito comercial y de crítica instantáneo, encabezando las listas a ambos lados del Atlántico y consolidando a John como una figura central del glam rock, junto a artistas como David Bowie y T. Rex. Con Goodbye Yellow Brick Road, no solo había conquistado la industria musical; había creado una obra atemporal que definiría el sonido y la ambición del pop-rock de los setenta.
Capítulo 5: 1974-1976 – En la cima del mundo y dueño de su propio sello
En 1974, Elton John no era simplemente una estrella del pop; era un fenómeno cultural global. Su dominio de las listas era absoluto, y su imagen pública —una explosión de plumas, lentejuelas y plataformas— lo había convertido en un ícono del exceso y la teatralidad del glam rock. Ese estatus le proporcionó una autonomía creativa y comercial sin precedentes. En un movimiento audaz para tomar el control total de su carrera, fundó su propio sello discográfico, The Rocket Record Company. Aunque continuaría lanzando sus propios álbumes en MCA Records en Estados Unidos y DJM en el Reino Unido, Rocket se convirtió en el hogar para sus proyectos paralelos y para fichar a otros artistas, como la cantante Kiki Dee y, más adelante, Neil Sedaka. Este paso de músico a ejecutivo discográfico reveló su creciente perspicacia para los negocios y su deseo de construir un imperio que trascendiera sus propias grabaciones.
Su primer álbum en esta nueva era de autonomía fue Caribou, grabado en los estudios Caribou Ranch en Colorado. A pesar de haber sido registrado en un tiempo récord y de que el propio John lo considerara un trabajo apresurado, el álbum continuó su racha de éxitos, alcanzando el número 1 en Estados Unidos y el Reino Unido. De él surgieron dos sencillos masivos: la enérgica y paródica The Bitch Is Back y la majestuosa balada Don’t Let the Sun Go Down on Me, que se convertiría en una de las piezas centrales de su repertorio en vivo.
El año 1975 representó la culminación de su apogeo. En mayo lanzó Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy, un álbum autobiográfico y conceptual que narraba los primeros años de lucha junto a Bernie Taupin en Londres. Aclamado por su cohesión temática, su éxito comercial fue histórico: se convirtió en el primer álbum en la historia en debutar en el número 1 del Billboard 200. La portada, una obra surrealista y detallada del artista Alan Aldridge, era tan icónica como la música que contenía. Apenas cinco meses después, en octubre de 1975, repitió la hazaña con Rock of the Westies, que también debutó en la cima. Este álbum, más orientado al rock y grabado con una nueva formación, produjo el sencillo número 1 Island Girl. Tener dos álbumes consecutivos debutando en el primer puesto del Billboard en el mismo año fue una proeza que subrayó su dominio absoluto del mercado musical.
Su fama alcanzó niveles estratosféricos durante ese período. En octubre de 1975 actuó en dos conciertos con entradas agotadas en el Dodger Stadium de Los Ángeles, ante más de 100,000 personas. Vestido con un uniforme de béisbol de los Dodgers cubierto de lentejuelas, esas actuaciones se convirtieron en momentos icónicos de la historia del rock, capturando la escala masiva de su estrellato.
Sin embargo, el éxito abrumador comenzó a pasar factura. El ritmo implacable de grabaciones y giras, combinado con las presiones de la fama extrema, llevó a John a un estado de agotamiento físico y emocional. En una entrevista con la revista Rolling Stone en 1976, hizo una declaración que causó un considerable revuelo: se declaró bisexual. Para una superestrella masculina de su magnitud en los años setenta, fue un acto de honestidad arriesgado que podría haber afectado gravemente su carrera. Ese mismo año lanzó el álbum doble Blue Moves, un trabajo más sombrío e introspectivo que reflejaba su estado de ánimo fatigado. Aunque alcanzó el top 5 y produjo el exitoso sencillo Sorry Seems to Be the Hardest Word, marcó el fin de su colaboración ininterrumpida con Taupin durante varios años y el cierre de su racha de siete álbumes número 1 consecutivos en Estados Unidos. En un concierto en Wembley en 1977, anunció su retiro de las actuaciones en vivo: “He estado en la cima durante mucho tiempo, y es hora de bajar.” Aunque ese retiro resultaría temporal, fue un indicio claro de que el frenesí de la primera mitad de la década había llegado a su punto de quiebre.
Capítulo 6: 1977-1979 – Un retiro incompleto y el Telón de Acero
El anunciado retiro de Elton John de las giras en 1977 fue menos un final que una reconfiguración forzada. El torbellino de la fama, la producción incesante de música y la vida bajo el microscopio público lo habían dejado en un estado de profunda fatiga. Lejos de ser un período de calma, fueron años de transición turbulenta, marcados por la búsqueda de una nueva dirección artística y personal. La primera y más significativa manifestación de ese cambio fue la pausa en su colaboración con Bernie Taupin. Después de Blue Moves, sus caminos se separaron temporalmente, una decisión mutua impulsada por el agotamiento y el deseo de explorar otros proyectos.
Para John, eso significó asumir por primera vez la carga de encontrar una nueva voz lírica. El resultado fue el álbum A Single Man (1978), para el cual colaboró principalmente con el letrista Gary Osborne. El álbum representó un cambio sonoro notable: los arreglos orquestales grandilocuentes dieron paso a un sonido más limpio y contemporáneo. A pesar de producir el melancólico éxito Song for Guy —un tributo instrumental a un joven mensajero de Rocket Records que falleció en un accidente de motocicleta—, el álbum carecía de la magia narrativa y la consistencia temática de sus trabajos con Taupin. La crítica lo recibió con tibieza y, aunque tuvo un desempeño respetable, no alcanzó las cimas de sus predecesores.
A pesar de su intención de alejarse de las giras, la quietud no era un estado natural para Elton John. Su “retiro” duró poco. En 1978 regresó a los escenarios en un formato más íntimo, a menudo junto al percusionista Ray Cooper. Esas actuaciones despojadas pusieron de relieve su virtuosismo como pianista y su poder como intérprete, sin el parapeto de la extravagancia visual de años anteriores.
Sin embargo, el evento más significativo de este período no tuvo lugar en los estadios de Occidente, sino en un territorio entonces considerado impenetrable para la mayoría de los artistas de rock. En mayo de 1979, Elton John y Ray Cooper se embarcaron en una gira histórica por la Unión Soviética, convirtiéndose en uno de los primeros grandes artistas de rock occidental en tocar detrás del Telón de Acero. La gira incluyó ocho conciertos en Leningrado y Moscú, y fue un evento cultural y diplomático de primer orden. Para el público soviético, con acceso muy limitado a la música occidental, los conciertos fueron una revelación. Para John, fue una experiencia surrealista y profundamente conmovedora: actuando ante audiencias que, aunque inicialmente reservadas por la vigilancia de las autoridades, se mostraban hambrientas de su música, ofreció algunas de las interpretaciones más emotivas de su carrera. El concierto final en Moscú, donde interpretó Back in the U.S.S.R. de The Beatles como bis, fue un momento de catarsis colectiva que trascendió la política de la Guerra Fría. La gira fue documentada en la película To Russia with Elton.
Este período de finales de los setenta también estuvo marcado por una creciente lucha personal. Lejos de ser un tiempo de descanso y recuperación, la ausencia de la estructura de las giras masivas dejó un vacío que John llenó con un estilo de vida cada vez más hedonista. Su dependencia de la cocaína y el alcohol, que había comenzado en los años de mayor fama, se intensificó, afectando su salud, su juicio y su trabajo. Musicalmente, el álbum de 1979, Victim of Love, fue un experimento fallido: un disco de orientación disco grabado con el productor Pete Bellotte —conocido por su trabajo con Donna Summer— en el que John no tocó ningún instrumento ni escribió ninguna de las canciones. El proyecto fue un desastre comercial y de crítica, y representa el punto más bajo de su producción discográfica. Aun así, su estatus como ícono global permanecía intacto. La gira soviética había demostrado su relevancia más allá de las listas de éxitos, y el final de la década, a pesar de sus claroscuros, cerraba un capítulo de éxito sin parangón mientras abría uno de incertidumbre y desafíos.
Capítulo 7: 1980-1984 – El regreso de Taupin y la reinvención en la era MTV
La década de 1980 comenzó para Elton John con una necesidad imperiosa de reencontrar su rumbo musical. Después de la confusión artística de finales de los setenta, el álbum 21 at 33 (1980) fue un paso hacia la recuperación de su identidad. El título hacía referencia a que era su vigésimo primer trabajo grabado, lanzado a los treinta y tres años. El disco marcó el regreso parcial de Bernie Taupin, quien contribuyó con letras a tres canciones, mientras otras fueron escritas con Gary Osborne y los nuevos colaboradores Tom Robinson y Judie Tzuke. El álbum produjo el éxito Little Jeannie, una balada suave que alcanzó el top 5 en Estados Unidos, demostrando que su instinto para la melodía pop seguía intacto.
Fue en 1983, sin embargo, cuando se produjo la verdadera reinvención. El álbum Too Low for Zero marcó la reunión a tiempo completo con Bernie Taupin y la formación clásica de su banda de los setenta, incluyendo a Dee Murray, Nigel Olsson y Davey Johnstone. Ese reencuentro resultó en su álbum más sólido y comercialmente exitoso en años. El momento era perfecto: la llegada de MTV en 1981 había cambiado radicalmente la industria musical, poniendo un énfasis sin precedentes en la imagen y el video. Elton John, con su historial de extravagancia visual y teatralidad, estaba perfectamente posicionado para prosperar en esta nueva era.
Too Low for Zero produjo dos de los videos y sencillos más icónicos de la década. El primero fue I’m Still Standing, un himno desafiante de supervivencia y resiliencia. El video, filmado en Cannes y Niza y dirigido por Russell Mulcahy, fue una explosión de color y energía que presentó a un Elton John vibrante y renovado a una nueva generación de espectadores de MTV. El segundo gran éxito fue la balada I Guess That’s Why They Call It the Blues, con una melodía conmovedora, una letra nostálgica de Taupin y un memorable solo de armónica de Stevie Wonder. El álbum en su conjunto fue un regreso a la forma, y devolvió a Elton John al escalón más alto de las estrellas del pop. El siguiente disco, Breaking Hearts (1984), continuó la racha con canciones como Sad Songs (Say So Much), consolidando su relevancia en el cambiante panorama de los ochenta.
En medio de este resurgimiento profesional, la vida personal de John tomó un giro inesperado. El 14 de febrero de 1984, día de San Valentín, se casó con Renate Blauel, una ingeniera de sonido alemana a quien había conocido el año anterior durante la grabación de Too Low for Zero. La boda se celebró en Sídney, Australia, y fue un evento mediático. Para el público, el matrimonio parecía contradecir directamente la declaración de bisexualidad que John había hecho en 1976. En retrospectiva, el propio John ha descrito la decisión como un intento desesperado de encontrar la felicidad y la normalidad, y de negar una parte fundamental de su identidad. En su autobiografía, Me, explica que amaba genuinamente a Renate, pero que no era honesto consigo mismo sobre su sexualidad. La unión duraría cuatro años, un período en que John continuó produciendo música y realizando giras, pero también en que sus luchas personales con la adicción y su identidad se intensificaron en privado.
Capítulo 8: 1985-1989 – La batalla en el espejo y la redención del pasado
La segunda mitad de la década de 1980 fue uno de los períodos más desafiantes en la vida de Elton John. A pesar de su éxito continuo en las listas, su vida privada se desmoronaba bajo el peso de la adicción, un matrimonio en crisis y problemas de salud. En 1985 participó en uno de los eventos musicales más grandes de la historia, el Live Aid en el estadio de Wembley. Su actuación fue un recordatorio de su poder como intérprete, pero detrás del escenario, su dependencia de la cocaína y el alcohol estaba en su punto más álgido. Esa dualidad entre el éxito público y el tormento privado definiría estos años.
Musicalmente, álbumes como Ice on Fire (1985) y Leather Jackets (1986) fueron recibidos con críticas mixtas. Leather Jackets, en particular, se destaca como uno de sus mayores fracasos comerciales y de crítica, reflejo de una falta de dirección creativa. Las tensiones en su voz, efecto secundario de su estilo de vida, se hicieron cada vez más evidentes. A principios de 1987, tras una serie de conciertos en Australia, se vio obligado a cancelar el resto de la gira: el esfuerzo le había provocado una hemorragia en las cuerdas vocales.
La cirugía de garganta realizada en Sídney en enero de 1987 fue un momento de crisis existencial. Existía un riesgo real de que no pudiera volver a cantar. La operación fue un éxito, pero alteró permanentemente su voz, eliminando su famoso falsete y dotándolo de un tono más profundo y resonante. Ese cambio físico forzó un período de introspección. Durante su recuperación, en 1988, su matrimonio con Renate Blauel llegó a su fin. El divorcio fue amistoso, pero para John significó el reconocimiento final de que no podía seguir viviendo una mentira. En una entrevista posterior se declararía públicamente como homosexual, aceptando por fin su verdadera identidad.
Este período también estuvo marcado por una serie de batallas legales muy publicitadas contra el tabloide británico The Sun, que había publicado acusaciones falsas sobre su vida privada. Aunque finalmente ganó los casos, el proceso fue agotador y amplificó el escrutinio público sobre su vida. El punto de inflexión llegó con la muerte de Ryan White en 1990, un adolescente estadounidense que se había convertido en símbolo de la lucha contra el SIDA. La amistad de John con White y su familia lo impactó profundamente y lo impulsó a buscar ayuda para sus propias adicciones.
Musicalmente, el final de la década trajo una sorprendente redención. En 1989, lanzó Sleeping with the Past, concebido como un homenaje al R&B y el soul de los años sesenta que lo habían inspirado en su juventud. Grabado en Dinamarca, el álbum tenía un sonido cohesivo y una calidez que había estado ausente en sus trabajos anteriores de la década. El sencillo Sacrifice se convirtió en un éxito masivo, especialmente en Europa, y en el Reino Unido fue relanzado como doble lado A junto con Healing Hands, convirtiéndose en su primer sencillo número 1 en solitario en su país natal. El éxito de Sleeping with the Past fue una reivindicación: demostró que, a pesar de las turbulencias personales y los cambios en su voz, su talento para la composición y la interpretación seguía siendo tan poderoso como siempre. Fue la prueba de que, incluso después de tocar fondo, Elton John todavía era capaz de crear música que conectara profundamente con el público, utilizando su propio pasado no como una carga, sino como fuente de inspiración.
Capítulo 9: 1990-1997 – Renacimiento, El Rey León y la vela que iluminó al mundo
La década de 1990 se inauguró para Elton John no con un nuevo álbum, sino con la decisión más importante de su vida. El 29 de julio de 1990, después de años de una espiral descendente de adicción y profundamente afectado por la muerte de su joven amigo Ryan White, víctima del SIDA, se internó en un hospital de Chicago para comenzar un tratamiento de rehabilitación. La sobriedad le proporcionó una claridad y una estabilidad emocional que no había experimentado desde su ascenso a la fama, y ese renacimiento personal se tradujo directamente en uno artístico.
Su primer álbum posrehabilitación, The One (1992), fue un éxito comercial y de crítica. Con un sonido pulido y contemporáneo, produjo sencillos exitosos como la canción principal y la balada The Last Song, una conmovedora pieza sobre un padre que se reconcilia con su hijo gay moribundo de SIDA. Los beneficios del video fueron donados a la recién creada Elton John AIDS Foundation, señalando su nuevo compromiso con el activismo, una causa que se convertiría en una de las pasiones centrales de su vida.
En 1994, Elton John alcanzó un nivel de reconocimiento cultural que trascendió el mundo de la música pop. Disney lo invitó, junto al letrista Tim Rice, a escribir las canciones para su próxima película de animación, The Lion King. La colaboración fue un triunfo monumental: la banda sonora se convirtió en un éxito de ventas masivo, y las canciones —entre ellas Circle of Life, I Just Can’t Wait to Be King y, sobre todo, la balada Can You Feel the Love Tonight— se convirtieron en clásicos instantáneos. Can You Feel the Love Tonight le valió su primer Premio de la Academia a la Mejor Canción Original, además de un Grammy. El mismo año fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, un reconocimiento a su impacto durante las dos décadas anteriores. Sobrio, creativamente revitalizado y más exitoso que nunca, Elton John había logrado una rara segunda cima en su carrera.
El clímax de la década, sin embargo, llegó a través de una tragedia que conmocionó al mundo. El 31 de agosto de 1997, su amiga cercana, Diana, Princesa de Gales, murió en un accidente automovilístico en París. La noticia devastó a John. En medio del duelo global, recibió una llamada del Palacio de Buckingham solicitándole que cantara en el funeral en la Abadía de Westminster. Consciente de que interpretar la versión original de Candle in the Wind —escrita sobre Marilyn Monroe— sería inapropiado, se puso en contacto con Bernie Taupin. En cuestión de horas, Taupin reescribió la letra, transformando la canción en un tributo conmovedor a la vida de Diana. La nueva versión, titulada Candle in the Wind 1997, comenzaba con las palabras “Goodbye England’s Rose.”
La interpretación de John en el funeral, solo al piano, fue un momento de emoción cruda y abrumadora, visto por miles de millones de personas en todo el mundo. La grabación del sencillo, lanzada poco después, se convirtió en un fenómeno sin precedentes: se disparó al número uno en todo el mundo y se convirtió en el sencillo más vendido de todos los tiempos, con más de 33 millones de copias vendidas. Todos los beneficios fueron donados al Fondo en Memoria de Diana, Princesa de Gales. Para Elton John, fue la confirmación definitiva de su lugar en el corazón del público: no solo como entretenedor, sino como una figura capaz de dar voz a las emociones más profundas de una generación.
Capítulo 10: 1998-2009 – El Caballero del Imperio, Las Vegas y el legado teatral
Después de la intensidad emocional y el éxito sin precedentes de Candle in the Wind 1997, Elton John entró al nuevo milenio con el estatus consolidado de ícono global y tesoro nacional británico. En 1998, la reina Isabel II lo nombró Caballero del Imperio Británico por sus servicios a la música y a la caridad, un honor que reconoció tanto su inmensa contribución a la cultura popular como su incansable trabajo filantrópico. Ahora Sir Elton John, continuó explorando nuevas vías artísticas con un enfoque particular en el teatro musical.
Tras el éxito cinematográfico de The Lion King, la adaptación teatral debutó en Broadway en 1997 y se convirtió en un fenómeno por derecho propio. Aprovechando ese impulso, se asoció nuevamente con Tim Rice para crear Aida, un musical de rock basado libremente en la ópera de Verdi. El espectáculo, que se estrenó en Broadway en el año 2000, fue un éxito de taquilla y le valió a John un Premio Tony a la Mejor Banda Sonora Original, consolidando su reputación como compositor teatral de primer nivel.
Musicalmente, sus álbumes de estudio de este período reflejaron una madurez creciente. Songs from the West Coast (2001) fue aclamado por la crítica como un regreso a sus raíces de cantautor de los años setenta: con un sonido orgánico y centrado en el piano, produjo el sencillo I Want Love, cuyo video protagonizado por un entonces sobrio Robert Downey Jr. recibió considerable atención. Continuó esa veta con Peachtree Road (2004), con influencias de soul y country grabado en Atlanta. Aunque estos álbumes no alcanzaron las ventas masivas de sus apogeos anteriores, demostraron que su capacidad para crear música relevante no había disminuido.
El centro de su actividad profesional se trasladó, sin embargo, a un nuevo y lucrativo escenario: Las Vegas. En 2003, comenzó su primera residencia en el Caesars Palace, titulada The Red Piano. Lejos de ser un espectáculo de grandes éxitos al uso, fue una producción multimedia conceptualmente ambiciosa, con impresionantes visuales diseñados por el fotógrafo y director David LaChapelle. La residencia fue un éxito rotundo, revitalizó el concepto de residencia en Las Vegas y atrajo a una nueva generación de artistas a la ciudad. Durante casi seis años y más de 240 espectáculos, demostró ser una forma ingeniosa de seguir actuando para grandes audiencias sin el agotador rigor de una gira mundial.
En 2005, compuso la música para Billy Elliot the Musical, una adaptación de la aclamada película británica, con letra del guionista Lee Hall. Estrenado en el West End de Londres, el musical recibió elogios unánimes y ganó el Premio Olivier al Mejor Nuevo Musical. Su posterior traslado a Broadway en 2008 fue igualmente exitoso: obtuvo diez Premios Tony, incluido el de Mejor Musical. La partitura de John, elogiada por su autenticidad y su capacidad para capturar la mezcla de desesperación y esperanza de la comunidad minera del norte de Inglaterra durante la huelga de 1984, es considerada por muchos su mayor logro en el teatro musical. Ese mismo año 2005, él y su pareja de larga data, el cineasta canadiense David Furnish, formalizaron su relación a través de una unión civil, una de las primeras de alto perfil en el Reino Unido tras la aprobación de la ley correspondiente. Al final de la década, Sir Elton John se había transformado de estrella del pop a institución cultural: un artista multifacético cuyo trabajo abarcaba el rock, el pop, el cine y el teatro, y un filántropo cuyo impacto se sentía en todo el mundo.
Capítulo 11: 2010-2024 – Paternidad, el largo adiós y el círculo completo del EGOT
La sexta década de la carrera de Elton John estuvo definida por la realización de sueños personales largamente anhelados y la planificación de un monumental acto final como artista de gira. En 2010, su vida personal cambió para siempre con el nacimiento de su primer hijo, Zachary Jackson Levon Furnish-John, a través de una madre sustituta. Tres años después, en 2013, la familia creció con la llegada de su segundo hijo, Elijah Joseph Daniel Furnish-John. La paternidad, a los sesenta y tres años, tuvo un profundo impacto en John, brindándole una nueva perspectiva y un sentido de propósito que trascendía la música.
Este nuevo capítulo se formalizó el 21 de diciembre de 2014, cuando él y David Furnish se casaron legalmente en Inglaterra —exactamente nueve años después de su unión civil— tras la aprobación del matrimonio igualitario. Musicalmente, el período fue de colaboración y reflexión. En 2010 lanzó The Union, un aclamado álbum a dúo con su ídolo Leon Russell, elogiado por su regreso a las raíces del rock y el góspel. En 2011 regresó a Las Vegas para una segunda residencia, The Million Dollar Piano, que se prolongó hasta 2018. Continuó lanzando álbumes de estudio como The Diving Board (2013) y Wonderful Crazy Night (2016), que demostraron su continua vitalidad como compositor.
En 2018, a los setenta años, hizo un anuncio que resonó en todo el mundo: se embarcaría en una última y extensa gira mundial, titulada Farewell Yellow Brick Road. Concebida como una despedida de tres años de los escenarios, fue diseñada como una celebración de su carrera de más de medio siglo y una oportunidad para agradecer a sus seguidores en todos los rincones del planeta. La gira comenzó con aclamación universal, pero en 2020, como el resto del mundo, se vio obligada a detenerse abruptamente por la pandemia de COVID-19.
Durante ese paréntesis inesperado, John grabó The Lockdown Sessions (2021), una colección ecléctica de colaboraciones con artistas tan diversos como Dua Lipa, Stevie Wonder, Eddie Vedder y Nicki Minaj. El sencillo principal, Cold Heart (PNAU Remix) —una ingeniosa mezcla de sus clásicos Sacrifice y Rocket Man con la voz de Dua Lipa—, se convirtió en un éxito mundial masivo y alcanzó el número 1 en el Reino Unido, convirtiéndolo en el primer artista en tener un sencillo en el top 10 del Reino Unido en seis décadas diferentes. La canción lo presentó a una nueva generación de oyentes de la Generación Z, demostrando su asombrosa capacidad para mantenerse relevante.
La gira Farewell Yellow Brick Road se reanudó en 2022 y finalmente concluyó en julio de 2023 en Estocolmo, después de más de 300 conciertos en todo el mundo, convirtiéndose en la gira más taquillera de todos los tiempos hasta ese momento. El final de la gira no significó el final de su carrera, sino una transición hacia una nueva fase. El círculo pareció completarse en enero de 2024, cuando su especial de concierto en Disney+, Elton John Live: Farewell from Dodger Stadium, ganó un Premio Emmy al Mejor Especial de Variedades (En Vivo). Con esa victoria, Sir Elton John se unió al club más exclusivo del mundo del espectáculo: los ganadores del EGOT, es decir, los artistas que han ganado un Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony. Al concluir su carrera como artista de gira, no se retiró a la oscuridad, sino que se consolidó como una leyenda viva, un padre de familia, un filántropo incansable y un artista cuya influencia y música continuarían resonando indefinidamente.
Capítulo final: Conclusiones y legado – El hombre que pintó la música de colores
Evaluar el legado de Sir Elton John es trazar la evolución de la música popular durante más de medio siglo. Su impacto trasciende las cifras asombrosas —más de 300 millones de discos vendidos, más de cincuenta éxitos en el top 40, una racha de siete álbumes número uno consecutivos— para adentrarse en el tejido mismo de la cultura global. John fue un arquitecto del sonido del pop-rock de los años setenta, un alquimista que fusionó la grandilocuencia del rock de estadio, la intimidad del cantautor, la energía del R&B y la disciplina de la música clásica en un estilo inconfundiblemente propio. Su colaboración con Bernie Taupin redefinió la composición de canciones, demostrando que la música pop podía ser a la vez comercialmente irresistible y líricamente sofisticada, capaz de contar historias complejas y crear mundos evocadores.
Su influencia es palpable en generaciones de artistas que van desde George Michael y Freddie Mercury hasta Lady Gaga y Ed Sheeran, quienes han heredado su sentido de la melodía, su audacia escénica y su creencia en el poder del espectáculo. Fue uno de los primeros en demostrar que el piano podía ser un instrumento principal en el rock and roll, tan potente y visualmente dinámico como la guitarra eléctrica.
Más allá de la música, su legado está intrínsecamente ligado a su papel como pionero cultural. En una época en que la homosexualidad era un tabú en el mundo del espectáculo, sus declaraciones y, en última instancia, su vida abierta y sin disculpas, ayudaron a derribar barreras y a normalizar la presencia de artistas LGBTQ+ en la corriente principal. Su extravagancia —los trajes de lentejuelas, las gafas estrafalarias, la teatralidad— no era mero adorno; era una declaración de individualidad, una celebración de la diferencia en un mundo que a menudo exigía conformidad. Demostró que un artista podía ser vulnerable y grandilocuente, sensible y poderoso, todo al mismo tiempo.
Su figura pública, con sus luces y sombras, sus batallas con la adicción, los trastornos alimentarios y la depresión, humanizó la figura de la superestrella, mostrando las grietas detrás de la fachada del éxito. Su posterior sobriedad y su honestidad sobre esas luchas lo convirtieron en un inesperado modelo de resiliencia y redención.
Cualquier evaluación de su legado estaría, además, incompleta sin reconocer su impacto filantrópico. La creación de la Elton John AIDS Foundation en 1992, en el apogeo de la crisis del SIDA, fue un acto de liderazgo y compasión. Utilizando su fama como plataforma para la acción, ha recaudado cientos de millones de dólares y financiado programas de prevención y tratamiento en todo el mundo, salvando incontables vidas y contribuyendo a cambiar la conversación global sobre la enfermedad.
Al final, la figura de Elton John es la de un ser humano complejo y contradictorio: el tímido Reginald Dwight que se convirtió en el extravagante showman; el músico de formación clásica que adoraba el rock and roll más crudo; la superestrella global que anhelaba la normalidad de una vida familiar. Su música es la banda sonora de la vida de millones de personas, una constante a través de décadas de cambio social y cultural. Su legado no reside solo en las melodías inmortales o en los récords de ventas, sino en la audacia de su individualidad, en la resiliencia de su espíritu y en la profunda humanidad que siempre ha latido en el corazón de su obra. Elton John no solo escribió canciones; pintó la música de colores y, al hacerlo, hizo del mundo un lugar un poco más brillante y mucho más interesante.
Anexo: Canciones y momentos inolvidables
1. Your Song (1970)
La canción que lo presentó al mundo es un estudio de simplicidad y honestidad desarmante. Musicalmente, se construye sobre una progresión de piano que, aunque aparentemente sencilla, está llena de sutiles complejidades armónicas que revelan su formación clásica. La melodía vocal es conversacional, casi tímida, reflejando perfectamente la letra de Taupin sobre un joven que lucha por expresar sus sentimientos. La producción de Gus Dudgeon y los arreglos de cuerda de Paul Buckmaster envuelven la canción en una calidez que nunca abruma la intimidad de la interpretación. Es la quintaesencia de la balada de Elton John y el modelo sobre el que se construirían muchas de sus futuras composiciones.
2. Tiny Dancer (1971)
Esta oda a las mujeres de California de principios de los setenta es una pieza de construcción lenta que culmina en un estribillo catártico. Comienza con un delicado arpegio de piano al que se suman gradualmente el bajo, la batería y una sutil guitarra de acero. La estructura de la canción es poco convencional, retrasando la llegada del coro y creando una tensión narrativa que se resuelve en la explosión final de “Hold me closer, tiny dancer.” La letra de Taupin, parcialmente inspirada en su primera esposa, Maxine, captura una instantánea de una época, pero la melodía de John le confiere una cualidad universal y atemporal.
3. Rocket Man (1972)
Inspirada en el universo literario de Ray Bradbury y en el creciente interés por la exploración espacial, esta canción es una meditación melancólica sobre la soledad y la alienación. Musicalmente, destaca por el uso de la guitarra slide, que crea una atmósfera etérea y espacial, y por un estribillo ascendente que evoca la sensación de flotar en el vacío. La interpretación vocal de John es contenida y reflexiva, transmitiendo el peso de la distancia y la rutina del trabajo de un astronauta. Es un ejemplo perfecto de cómo la colaboración John-Taupin podía tomar un concepto de ciencia ficción y convertirlo en una declaración profunda sobre la condición humana.
4. Crocodile Rock (1972)
Un deliberado y alegre pastiche del rock and roll de finales de los cincuenta y principios de los sesenta. La canción es un ejercicio de nostalgia, impulsado por un ritmo de piano machacón al estilo de Jerry Lee Lewis y un órgano Farfisa que evoca el sonido de artistas como Del Shannon. La letra de Taupin narra la historia de un joven que recuerda los días de bailar un baile ficticio llamado el “Crocodile Rock”. Aunque a menudo catalogada como una pieza ligera, su energía infecciosa y su impecable construcción pop le dieron a John su primer número uno en Estados Unidos y demostraron su maestría para crear éxitos irresistibles.
5. Goodbye Yellow Brick Road (1973)
La pieza central del álbum homónimo es una balada majestuosa sobre la desilusión con la fama y el deseo de volver a una vida más simple. La canción comienza con una introducción de piano suave y onírica antes de estallar en un estribillo poderoso y casi operístico. La interpretación vocal de John es una de las mejores de su carrera, mostrando su rango dinámico y su capacidad para transmitir una emoción profunda. La letra de Taupin utiliza la metáfora de El mago de Oz para explorar los peligros de la fama, un tema recurrente en su trabajo. Es una obra maestra de la composición y la producción, y una de las canciones más queridas de su catálogo.
6. Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding (1973)
Esta pieza de once minutos que abre Goodbye Yellow Brick Road es la declaración más ambiciosa del rock progresivo de Elton John. La primera parte, Funeral for a Friend, es una obra instrumental que comienza con el sonido de campanas de iglesia y un sintetizador ARP que crea una atmósfera fúnebre y cinematográfica, antes de dar paso a una sección de piano clásico. La transición a Love Lies Bleeding es una explosión de rock de estadio, con un contundente riff de guitarra de Davey Johnstone y una sección rítmica poderosa. La pieza demuestra la capacidad de la banda para fusionar la complejidad del rock progresivo con la energía del hard rock.
7. Bennie and the Jets (1973)
Una de las canciones más extrañas y originales de su repertorio. A pesar de las dudas del propio John sobre su potencial comercial, fue lanzada como sencillo y se convirtió en número uno en Estados Unidos, especialmente popular entre las emisoras de R&B. La canción es una parodia del glam rock, con un ritmo de piano sincopado y entrecortado, y efectos de sonido de una audiencia en vivo para crear la ilusión de un concierto de una banda ficticia. La interpretación vocal de John es estilizada, con un falsete afectado que añade al carácter satírico de la pieza.
8. Don’t Let the Sun Go Down on Me (1974)
Una poderosa balada con una producción grandiosa y un memorable arreglo de vientos. La canción es una súplica desesperada por la salvación en un momento de pérdida y abandono. La interpretación vocal de John es apasionada y alcanza un clímax emocional en el estribillo final, que cuenta con los coros de miembros de The Beach Boys. La canción se convirtió en un estándar y ganó una segunda vida en 1991 como dueto en vivo con George Michael, versión que llegó al número 1 a nivel mundial.
9. Someone Saved My Life Tonight (1975)
Una de las canciones más personales y autobiográficas del catálogo de John y Taupin. La letra narra un momento crítico en la vida de John hacia 1968, antes de su fama, cuando se sentía atrapado en un compromiso matrimonial no deseado. La figura de “Sugar Bear” mencionada en la canción es Long John Baldry, quien lo convenció de romper ese compromiso y centrarse en su carrera musical. La pieza tiene una duración de seis minutos, una estructura compleja y una producción densa que captura la angustia y la eventual liberación de ese momento.
10. I’m Still Standing (1983)
El himno de la resiliencia de Elton John. Lanzada en el apogeo de la era MTV, la canción es un desafío a los críticos y a las adversidades. Musicalmente, es un tema de rock and roll enérgico y optimista, impulsado por el piano y una potente sección de vientos. La letra de Taupin, aunque escrita desde su propia perspectiva, se convirtió en una declaración personal para John, que luchaba contra la adicción y la presión de la fama. El icónico video musical filmado en la Costa Azul solidificó su imagen como superviviente y artista capaz de reinventarse.
11. Sacrifice (1989)
Una balada melancólica que marcó un renacimiento comercial para John a finales de los ochenta. La letra de Taupin explora la dificultad de la monogamia y la fidelidad en una relación. La melodía de John es sobria y elegante, y la producción, dominada por teclados electrónicos, es característica de la época. La canción se convirtió en su primer número uno en solitario en el Reino Unido, un logro significativo que reafirmó su relevancia al inicio de una nueva década.